Мы используем cookie-файлы, чтобы получить статистику и обеспечивать вас лучшим контентом. Продолжая пользоваться нашим сайтом, вы соглашаетесь с использованием технологии cookie-файлов. Это совершенно безопасно!
10 лучших альбомов 2017 года

10 лучших альбомов 2017 года



Денис Майоров
Время прочтения:

В течение декабря мы рассказывали вам о главных фильмах и играх, основных трендах 2017 года и его самых заметных провалах и открытиях. Но теперь пришло время поговорить о лучшем, что было в ушедшем году, о том, из-за чего этот год приятно вспоминать, тех достижениях в мире технологий, игр, музыки, кино, сериалов и комиксов, которые выделяют 2017-й на фоне других календарных дат, о тех событиях и явлениях, за счет которых год останется в истории и массовой культуре. Мы решили провести этот разговор в формате классических «десяток», ранжированных от худшего (в рамках этого топа!) примера к лучшему. В этом материале речь пойдет о десятке лучших музыкальных альбомов.

10. Chelsea Wolfe — Hiss Spun

Автор: Георгий Копьев


Hiss Spun оказался меньше и проще предыдущего альбома Челси Вульф — Abyss — но это не умаляет его величия. В Hiss Spun не найти сюжетного стрежня, пронизывающего Abyss, но он текучий, мягкий и робкий, как голос Челси, которая совершенствуется в жанре. Каким-то магическим образом альбом умудряется согревать, хоть и наполнен характерными для дум-метала гитарными рифами, тяжелейшим дисторшеном, и скрипучими электронными звуками вперемешку с незамысловатой на фоне этого богатства акустической гитарой.

Можно просто лечь под Hiss Spun в наушниках, закрыть глаза и провалиться в него. И не приходить в себе, пока трек Twin Fawn не вытолкнет вас наружу — ровно в середине альбома, чтобы вы снова, во второй раз, смогли испытать это чувство погружения в нежную умиротворяющую тоску и обреченность.

Альбом не принесет никакого удовольствия, если проигрывать его фоном, в дороге или при любых других обстоятельствах, исключающих полную концентрацию на музыке и вокале. Творчество Челси Вульф требует, чтобы к нему относились с большим вниманием, и вознаграждает тех, кто идет на это. Если вы не знакомы с Челси, сперва послушайте Abyss, а потом обязательно возвращайтесь за Hiss Spun.

9. Хаски — Любимые песни (воображаемых) людей

Автор: Самим Сарвари


Рэп в России в последние годы начал стремительно набирать популярность — жанром заинтересовались даже те люди, которые раньше им откровенно брезговали. Вот как раз им сильнее всего был необходим исполнитель, который рушил бы все сложившиеся стереотипы о глупых русских рэперах, но при этом сохранял присущее жанру бунтарство и неотесанность. Откликнувшись на эту потребность, в начале года многие популярные сайты, которые до этого если и писали о рэпе, то только когда о нем нельзя было не писать (Esquire, Медуза, GQ, Афиша Daily), начали все как один выкладывать материалы о каком-то Хаски и его новом альбоме «Любимые песни (воображаемых) людей» с заголовками в духе «Почему Хаски — новая большая звезда российского хип-хопа».

И даже несмотря на то, что отчетливо бросалась в глаза грамотная пиар-кампания артиста, о Дмитрии Кузнецове было что рассказать: вырос в Улан-Удэ, окончил журфак МГУ, работал на федеральных каналах, побывал в Донбассе в качестве репортера, раздавал флаеры у стриптиз-клубов. Интересная у человека жизнь, в общем.

Смесь интеллектуальности Оксимирона и экспрессивности Дэнни Брауна в строках Хаски, выражаясь словами Арчи Маршалла из King Krule, «врезается в голову, словно лезвие бритвы», после чего не удивляешься тому, что, за некоторым исключением (например, «Пироман 17»), бит в треках отходит на задний план.

Никаких женщин, тачек, клубов и выпивки — вместо этого Кузнецова вдохновляют на творчество негативные образы постсоветской действительности. Рэпер, словно Смерть из романа «Книжный вор» Зусака, предстает перед нами в роли наблюдателя. Он видит мир, в котором дети, вросшие в панельные многоэтажки и растущие в неполноценных семьях («Панелька»), противопоставляются богатой молодежи, злоупотребляющей наркотиками («Мармелад»).

«Любимые песни (воображаемых) людей» стал одним из самых запоминающихся русскоязычных релизов этого года и открыл нам яркого и самобытного русского рэпера, которого не только не стыдно слушать, но и цитировать.

8. The Birthday Massacre — Under Your Spell

Автор: Денис Майоров


Очень мало музыкантов, способных на протяжении многих лет придерживаться собственного уникального стиля и при этом не устаревать. The Birthday Massacre начали с идеи совместить готик-рок с синти-попом 80-х, да и в целом вдохнуть электронный дух той эпохи в тяжелую музыку. В некотором роде они начали играть синтвейв еще в те годы, когда жанр еще толком не оформился. И играют до сих пор, развиваясь и меняясь в рамках собственного звука, но не выходя за его границы. И получается прекрасно.

Единственная претензия, которую я могу предъявить к альбому Under Your Spell — он не столь же хорош, как Superstition, самая чувственная и глубокая пластинка группы. Но это все еще великолепная работа.

При этом Under Your Spell — ОЖИДАЕМО крутой альбом. Это закономерный итог развития группы. В творчестве The Birthday Massacre становилось то больше гитар, то больше электроники, музыка была то мягче, то агрессивнее. Но от альбома к альбому стабильно все больше внимания уделялось вокалистке Чиби — ее великолепный голос с каждой пластинкой раскрывался все глубже, хотя на самом первом альбоме вокал вообще был задвинут на задний план.

Under Your Spell в плане вокала — высшая точка для группы на сегодня. Чиби исполняет песни удивительно эмоционально и живо: когда при прослушивании возникает ощущение, что исполнитель поет лично тебе — это великое дело. И у этой эмоциональности сотни тончайших граней — от низких холодных ноток до предельно теплого нежного звучания и агрессии. В этом голосе легко раствориться и становится совсем неважно, что именно он поет (это не отменяет тонких поэтичных текстов).

Но что не менее важно, пластинка из восьмидесятых заимствует именно эстетику. Тут нет прямых отсылок и моментов «О, а это звучит прямо как в той песне». The Birthday Massacre похожи только на самих себя. Они не боятся экспериментировать с жанром, не боятся мешать хардкорные риффы с воздушными попсовыми синтами. Поэтому даже в синтвейве они выделяются из общей массы.

7. Here Lies Man — Here Lies Man

Автор: Денис Майоров


Официальный сайт Here Lies Man встречает фразой «Что если бы Black Sabbath играли афробит?». И действительно, лучше звучание этой группы не описать. Хотя помимо афро и хэви метала в звучании Here Lies Man можно услышать и джаз, и психоделику, и лоу-фай электронику, и гаражный рок.

Группа основана Маркосом Гарсиа, вокалистом и гитаристом легендарного афробит-оркестра Antibala, так что за аутентичность танцевальных африканских ритмов можете не переживать. Как и за умение музыканта гармонично смешивать различные жанры — это не просто мэшап, а цельное произведение, звук которого хоть в отдельный жанр выписывай.

В чем секрет? По словам Гарсиа, у африканской музыкальной ритмики и хэви-риффов много общего. Это и помогло ему слить воедино эти жанры.

В 2017-м очень редко получается искренне сказать: «Такого я никогда не слышал». Это как раз про музыку Here Lies Man. Она вырывает из реальности, опьяняет сложными мелодиями и хрустящей фузовой гитарой, гипнотизирует психоделическим вокалом и клавишными переливами. Подробно описывать звучание треков с альбома — значит натурально спойлерить. Просто включите Here Lies Man и не о чем не думайте. Танцуйте.

6. Ghostpoet — Dark Days + Canapés

Автор: Самим Сарвари

Британца Обаро Эджимиве (Obaro Ejimiwe), скрывающегося от широкой публики под псевдонимом Ghostpoet, можно смело считать темной лошадкой нашего топа. Несмотря на то, что его новый альбом — Dark Days + Canapés — уже четвертый по счету в карьере музыканта, Обаро не ставит своей целью расширение устоявшейся аудитории. Он не идет на поводу модных веяний поп-музыки, редко дает интервью — поэтому клип на лид-сингл с нового альбома за полгода собрал чуть больше 75 тысяч просмотров. Провалом это кажется ровно до того момента, когда начинаешь слушать его песни. Именно песни, несмотря на то, что формально Обаре хип-хоп исполнитель.

Меланхоличный самоанализ и личные переживания, экспериментальные и смелые мелодичные решения — творчество «Призрачного поэта» замкнуто в нем самом и, похоже, его интересует все, что угодно, кроме коммерческой стороны выпускаемой им музыки.

Dark Days + Canapés лавирует где-то между альтернативным рэпом и роком, умело совмещая электронику с живым оркестром и блюзовым вокалом, и это самая зрелая, личная и совершенная работа британца.

Зрелая, потому что поднимает экзистенциальные («Они советуют жить сегодняшним днем, впитывать все, как губка. Я полагаю, если ты достаточно мотивирован, подобное дерьмо может тебе понравится», — иронизирует в Live Leave) и остросоциальные темы («Я мечтал о лучшей жизни со своими двумя детьми и любимой женой. Но я не умею плавать, и вода заполняет мои легкие», — ставит себя на место иммигрантов в Immigrant Boogie).

Личная, потому что рассказывает о давлении на него со стороны технологического прогресса («Не покидал город месяцами. Мне кажется, Вэстфилд знает, что я хочу», — переживает в Freakshow) и проблемах взаимоотношений («Ты можешь мне это четко объяснить? У нас же было все!», — негодует в (Weʼre) Dominoes).

Совершенная, потому что всю пластинку спродюсировал Лео Абрахамс (Leo Abrahams), которого смело можно считать ее соавтором. Имея опыт работы не только с Брайаном Ино (Brian Eno), но и над саунтреками к фильмам «Милые кости» Питера Джексона и «Голод» Стива Маккуина, Лео выстраивает для Dark Days + Canapés уместно кинематографичные инструменталы, и они настолько самодостаточные, что, слушая Karoshi, кажется, будто повествование в треке идет именно от лица музыкальных инструментов, а не от Ghostpoetʼa.

5. Code Orange — Forever

Автор: Денис Майоров

В 2017-м вышло достаточно крутых тяжелых альбомов, но все, что крутилось в «массовом» поле — было слишком уж прилизанным и форматным. Даже бывалые металкорщики-бунтари вроде Mutiny Within и Veil of Maya выпустили чересчур «правильные» пластинки. И Mastodon. И даже Thy Art is Murder. За место в топе сражались только два альбома: Misanthrope от Ded и Look at Yourself от Emmure. Первый — классический и предельно честный ню-метал в духе ранних нулевых, второй — привычная по Emmure беспощадная агрессия Фрэнки Палмери и разрывающие голову диссонирующие риффы.

О Code Orange я поначалу даже не думал, потому что вообще не был знаком с группой. Но потом внезапная номинация банды на Грэмми привлекла мое внимание, но послушать заставил, что особенно забавно, твит Фрэнки Палмери: «Code Orange — лучшее, что случалось с альтернативной музыкой за последние годы». Послушал. Черт, правда лучшее.

Forever звучит как альбом подростковой метал-группы (участники, впрочем, и есть недавние подростки) — в самом лучшем смысле. Это работа не от презирающих устои людей, а от музыкантов, которые ни про какие устои даже не слышали. Они просто делают музыку, пытаются воплотить свою агрессию в виде взрывающих треков и выкрикивают в микрофон свои мысли.

У пластинки очень неровная структура, она мечется между металкором, хардкор-панком, ню-металом, гранжем, классическим металом, трэш-металом и черт знает, чем еще. В этом плане показателен открывающий трек Forever, сливающийся в одну композицию с Kill the Creator — в одном нем есть сразу все, будто участники группы в несколько минут впихнули сразу все свои музыкальные вкусы. Вместе с рваной структурой и совершенно безумным, сырым вокалом. При этом у группы даже нет вокалиста — попеременно или хором поют все участники и это прекрасная находка для совершенно дикого звука Code Orange. Их музыка не подчиняется никаким правилам, они могут оборвать ритмику трека в самый неожиданный момент, закончит песню нойзовыми вставками, а после невероятно тяжелой, построенный на диссонансах Real врубить шугейзовую Bleeding un the Blur с мягким голосом гитаристки Ребы Майерс.

И особый кайф в том, как звучание пластинки движется по ломанной кривой к композиции Spy, которая КАЧАЕТ как ни один другой трек в этом году. С четкой ритмикой и бас-секцией в духе Korn. На разогретую предыдущими треками голову это песня обрушивается словно молот. Как, впрочем, и весь альбом — прекрасный в своем несовершенстве.

4. Gorillaz — Humanz

Автор: Самим Сарвари

Музыкальный 2017-й многим запомнится долгожданным возвращением культовой британской виртуальной группы Gorillaz, в состав которой входят музыкант Деймон Албарн (вы его знаете по группе Blur) и художник Джейми Хьюлетт. Для тех, кто не в курсе и которых смутило словосочетание «виртуальная группа», мы уже писали о них ознакомительный материал. Но, если вкратце, Gorillaz — это вымышленный музыкальный коллектив, участники которого — 2D, Мёрдок Никкалс (Murdoc Niccals), Нудл (Noodle) и Рассел Хоббс (Russel Hobbs) — изображаются в виде анимации Хьюлетта, а поет, играет и сочиняет музыку за них Албарн.

Humanz — пятый студийный альбом Gorillaz, который по своей сути больше похож на своеобразный плейлист. Пожалуй, лучший плейлист года. Албарн снова собрал целый оркестр из звездных и актуальных музыкантов, каждый из которых добавил в альбом что-то от себя. Это первая пластинка группы аж за 7 лет. Планируя альбом, Албарн хотел передать ощущение конца света, «как если бы Трампа избрали президентом», и не догадывался в начале 2016 года, что предскажет исход президентской гонки. Поэтому, в Humanz с задорным рэгги/хип-хоп треком Saturnz Barz и легкомысленной синти-поп песней Submission, с вокалом Kelela и речитативом Danny Brown, неожиданно уживается протестная неспешная песня Hallelujah Money с поэтом Бенджамином Клементином (Benjamin Clementine).

И в этом весь альбом. Безумная смесь поп-музыки, госпела, хип-хопа и фирменного стиля самого Албарна — на новой пластинке все-таки читаются «те самые Gorillaz». Будь этот набор более целостным, пластинка и за первое место поборолась бы.

Эта работа получилась настолько разнообразной, что в конце удивляешься, как Албарну удалось удержать вместе такое количество стилей и гостей. А ведь удалось же, потому что равнодушных к новой работе Gorillaz почти не оказалось. Если же хотите совсем подробный разбор альбома - почитайте рецензию Дениса Майорова.

И особенно радует запланированный уже на следующий год новый альбом виртуальной группы и их приезд в Россию ближайшим летом в рамках фестиваля Park Live. По всей видимости, начинать планировать свое лето можно уже сейчас

3. Kendrick Lamar — DAMN.

Автор: Максим Иванов

DAMN — это прямая противоположность всему, что сейчас происходит в хип-хопе. Пока рэперы открывают для себя поп-музыку и идут в примитивизм («ГУЧЧИ ГЭНГ ГУЧЧИ ГЭНГ ГУЧЧИ ГЭНГ!»), Кендрик выпускает сложный, умный альбом, на котором говорит о боге, Америке, преданности, гордости и любви.

Ламар хватает пластмассовые трэп-биты, мешает с классическим сэмплированием и выжимает из Mike Will Made It потрясающую в своей динамике, агрессии и атмосфере DNA — энергичную мантру о собственной идентичности как чернокожего американца. Humble от того же Mike Will Made It (по иронии бит должен был уйти Gucci Mane) рассказывает о персональном росте, затрагивает проблемы ненатуральности современного общества.

Тут же Кендрик выступает за инклюзивность и бодипозитив, просит дать ему чего-то настоящего вроде «задницы с растяжками», которую он предпочитает идеальному маникюру.

В этой искренности и актуальности слышится живой человек, с позицией и видением, чья музыка получается такой же честной и завораживающей. Он переживает, терзается социальной осознанностью, превращает свою рефлексию в рэп-эссе, исследующие действительность.

Вот почему Кендрику веришь, а Эминему — нет, хотя на своем последнем альбоме Revival Маршалл как артист очевидно косплеит Ламара и пробует в conscious hip hop (на выходе случаются очень пошлые треки Like Home с неубедительными лозунгами «Стендап!» в припеве). DAMN должен был появиться именно сейчас, когда уникальность артиста и осмысленность текстов нужны хип-хопу как никогда. Блестящая работа, обязательная к прослушиванию.

2. Enter Shikari — The Spark

Автор: Денис Майоров

Enter Shikari вполне могут претендовать на звание рок-символов эпохи поздних нулевых. Неизменная компания школьных друзей, приверженцы DIY-взглядов, большие любители экспериментов со звуком и просто приятные позитивные люди, продвигающие идеи единения и всеобщей дружбы. Их дебютный альбом Take to the Skies уже стал настоящей классикой. Но после The Spark некоторые старые фанаты от группы отвернутся, как отворачивались фаны LINKIN PARK, когда группа ушла от ню-метала и выпустила экспериментальный электронный альбом A Thousand Suns, с которыми у The Spark есть общие черты. Тут так же преобладает более позитивный звук, также прослеживается практически полной уход от старого звука.

Привыкшие к Шикари-транскорщикам люди просто не могут воспринимать от них мягкие личные песни вроде Shinrin-Yoku. Они не хотят слушать An Ode to Lost Jigsaw Puzzle, в которой через срывающийся голос вокалиста Рау, через его эмоциональные крики нам по сути рассказывают, почему альбом именно такой и как он рождался.

The Spark во многом личная работа Рау Рейнольдса, который за последние годы прошел через очень серьезные испытания. Эмоциональное истощение, панические приступы, жесточайшая бессонница на протяжении нескольких месяцев и зависимость от лекарств — все это и вылилось в The Spark. Выпуск этого альбома, кажется, стал для Рау финальным этапом излечения, поэтому лирика на нем и получилось столь живой, простой и понятной. Поэтому альбом так пронимает и запоминается. Цитируя Shinrin-Yoku: «Мои легкие наполнены воздухом, я чувствую себя суперзаряженным». Уверен, чувство прекрасное.

The Spark прекрасен не только своей открытостью, он интересен и в музыкальном плане. В количестве направлений и жанров, замешанных в общий звук — тут даже грайму место нашлось! В новых гранях вокала Рау, который вдохновлялся музыкой Дэвида Боуи, работая над пластинкой. Это одна из самых разноплановых и «профессиональных» работ в 2017 году.

Что же до обвинений в попсовости и сожалений, что Enter Shikari больше не играют тяжелую музыку — играют! Послушайте неальбомный сингл Hoodwinkers, послушайте Supercharge, послушайте совместную работу с Crossfaith. Между альбомами группа традиционно выпускает много обособленного материала. Enter Shikari все еще могут сделать «тяжело», и если для новых тем им понадобится такой формат, они обязательно его используют.

1. LCD Soundsystem — american dream

Автор: Денис Майоров

american dream настолько «большой» альбом, а LCD Soundsystem настолько важная для музыки группа, что мне даже сложно придумать, как объяснить, почему эта пластинка — лучшая в этом году. Изначально это не столько группа, сколько ироничный проект стареющего хипстера Джеймса Мерфи, излагающего свои переживания касательно наступающей на пятки молодежи, монотонно рассказывающего о кризисе среднего возраста, вечеринках и девушках, используя очень сложную музыкальную форму, в которой рок-музыка сходится с джазом, диско восьмидесятых и техно (это если не копать глубже). Сегодня LCD — культовая группа, но вы могли и не слышать их песни. Это нормально. Потому что проект до сих пор странный и многим с первого раза не заходит.

Второй диск — Sound of Silver (2007) — стал одной из важнейших пластинок в истории рок-музыки и одной из самых взрослых работ десятилетия. Его можно с моноклем разбирать как в плане лирики, так и в плане звучания, в котором все элементы подогнаны с академичной маниакальностью. А можно просто слушать и наслаждаться — так даже лучше. Ровно то же можно сказать и об альбоме american dream.

Пластинка просто не могла не стать великой. У Мерфи не было права облажаться. В 2011 году, выпустив третий диск This is Happening, он зрелищно распустил группу, отыграв грандиозный прощальный концерт в Мэдисон Сквер Гарден. После такого если и возвращаться, то с чем-то значимым, актуальным — как раз как american dream.

Все та же тягучая монотонность и тягучесть, все те же эксперименты на грани маргинального андерграунда (как скрипучая гитара в change yr mind), все та же минималистичная электроника, мягкие пульсирующие биты, инди-рок баллады (лучшая и самая «глубокая» — call the police) и ироничные, но довольно грустные тексты. Обо всем. О том, что нас окружает, об эпохе и духе времени глазами опытного человека «заставшего первый концерт Can».

Работа многослойная настолько, что даже за два месяца регулярного переслушивания я не докопался до всех нюансов и до сих пор открываю в ней что-то новое. Несмотря на танцевальную атмосферу диска, он пропитан тревогой и грустью. Он заставляет глубоко задумываться, причем о чем-то своем, волнующем лично тебя. Ну или танцевать -в зависимости от настроения, что тоже прекрасно.

наверх